Генезис и «аутентичная» трактовка сонатной формы. Мангеймская школа
Огромную роль в становлении венской классической школы сыграли музыкальный быт Вены – крупнейшего музыкального центра, музыкальный фольклор многонациональной Австрии. Искусство венских классиков тесно связано с общим подъёмом австро-немецкой культуры, с просветительством, отразившим гуманистические идеалы третьего сословия в преддверии Великой французской революции. Творческие идеи венских классиков тесно соприкасаются со взглядами Г.Э. Лессинга, И.Г. Гердера, И.В. Гёте, Ф. Шиллера, И. Канта, Г. Гегеля, с некоторыми положениями французских энциклопедистов. Для искусства представителей венской классической школы характерны универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы. В их сочинениях органично сочетаются чувства иинтеллект, трагическое и комическое, точный расчёт и естественность, непринуждённость высказывания. В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедшее наиболее полное воплощение в сонатной форме и обусловившее симфонизм многих их сочинений. С симфонизмом, в широком смысле, связаны расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи – симфонии, сонаты, концерта и камерного ансамбля, окончательное формирование 4-хчастного сонатно-симфонического цикла. Музыка композиторов венской классической школы – новый этап в развитии музыкального мышления; для их музыкального языка характерны строгая упорядоченность, централизованность в сочетании с внутренним разнообразием, богатством. В их творчестве формируются классические типы музыкальных структур – период, предложение и др. Расцвет венской классической школы совпал с общим процессом становления симфонического оркестра – его стабильного состава, функциональной определённости оркестровых групп. Сложились главные классические типы камерных ансамблей – фортепианное трио, струнный квартет и др. Из музыки для сольных инструментов особенно выделилась фортепианная. Оперное творчество Моцарта открыло широкие перспективы развития различных типов оперы – лирической и социально-обличительной комедии, музыкальной драмы, философской оперы-сказки и др. Каждый из мастеров венской классической школы обладал неповторимой индивидуальностью. Гайдну и Бетховену наиболее близкой оказалась сфера инструментальной музыки,Моцартв равной мере проявил себя и в оперном, и в инструментальных жанрах. Гайдн больше тяготел к объективным народно-жанровым образам, юмору, шутке, Бетховен – к героике, Моцарт, будучи универсальным художником – к разнообразным оттенкам лирического переживания. Творчество композиторов венской классической школы, принадлежащее к вершинам мировой художественной культуры, оказало огромное влияние на дальнейшее развитие музыки.
Развитие инструментальной культуры означало одновременно и развитие инструментария. Сохраняли своё значение струнные смычковые инструменты, прежде всего скрипки; они стали главными инструментами оркестра и инструментами ансамблей. Новую самостоятельную роль приобрёл клавесин (постепенно его вытеснило молоточковое фортепиано). Уходил в прошлое орган. Формировались разного состава инструментальные ансамбли. Постепенно происходила дифференциация понятий «ансамбль» - «оркестр». Определился и состав классического симфонического оркестра, отличавшийся от оркестра баховской эпохи, установивший принципы его организации. В основе классического оркестра – группа струнных смычковых инструментов с чётким «квартетным» распределением голосов: сопрано-альт-тенор-бас (1 скрипки, 2 скрипки, альты, виолончели, контрабасы). Духовые: флейты – гобои – кларнеты – фаготы (кларнет был введён последним, позже). Медные – валторны, трубы. Ударные – литавры. Определились отдельные функции групп оркестра: главная нагрузка легла на струнные инструменты. Деревянные – дополнение к струнным, средние голоса. Медные использовались в основном в tutti для большей яркости. ансамбль » - «оркестр». Определился и состав классического симфонического оркестра, отличавшийся от оркестра баховской эпохи, установивший принципы его организации. В основе классического оркестра – группа струнных смычковых инструментов с чётким «квартетным» распределением голосов: сопрано-альт-тенор-бас (1 скрипки, 2 скрипки, альты, виолончели, контрабасы). Духовые: флейты – гобои – кларнеты – фаготы (кларнет был введён последним, позже). Медные – валторны, трубы. Ударные – литавры. Определились отдельные функции групп оркестра: главная нагрузка легла на струнные инструменты. Деревянные – дополнение к струнным, средние голоса. Медные использовались в основном в tutti для большей яркости.
Сонатная форма - неаутентичное название, его дали теоретики в 1820х годах. композиторы видели её как два периода: экспозиция - первый, разработка и реприза — второй. Одна из самых сложных и богатых по содержанию музыкальных форм, сонатная, начала складываться в первой половине XVIII в. и окончательный вид обрела во второй половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы. Сонатная форма – это принцип изложения музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы – главная и побочная – либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую. Развитие тем проходит три этапа – экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции (от лат. expositio – «изложение, показ»). Главная звучит в основной тональности, которая и определяет наименование тональности всего сочинения (например Симфония до мажор). Побочная обычно излагается в иной тональности – между темами возникает контраст. В разработке происходит дальнейшее развитие тем. Они могут вступать в острое взаимное противоречие. Иногда одна подавляет другую или, наоборот, уходит в тень, оставляя «сопернице» полную свободу действий. Обе темы могут предстать в ином освещении, например, будут исполнены другим составом инструментов, или резко поменяют характер. В репризе (фр. reprise, от redivndre – «возобновлять, повторять») темы на первый взгляд возвращаются в начальное состояние. Однако побочная звучит уже в основной тональности, таким образом приходя к единству с главной. Реприза – итог сложного пути, к которому темы приходят обогащённые опытом экспозиции и разработки. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе – коде (от итал. coda – «хвост»), однако она необязательна. Используют сонатную форму обычно в первой части сонаты и симфонии, а также (с небольшими изменениями) во второй части и в финале.
В становлении классического симфонизма велика роль чешских мастеров, работавших в немецком городе Мангейме и создавших симфоническую школу, получившую название «магнеймской школы». Среди многочисленных придворных оркестров
капелла курфюрста Пфальцского в Мангейме" славилась как
одна из лучших. Во главе ее находились чешские музыканты—
скрипачи, капельмейстеры и композиторы. Основателями мангеймской школы были Ян Вацлав Антонин Стамиц (1717—1757) и Франиишек Ксавер Рихтер (1709—1789); их последователями и продолжателями были сыновья Яна Стамица — Карел Стамид (1746—1801) и Антонин Стамиц (1754—ок. 1820), а также Христиан Каннабих (1731—1798) и другие.
О замечательных исполнительских качествах мангеймской капеллы восторженно отзывались многие современники. Поэт и композитор Ф. Шубарт (1739—1791) писал: «Ни один оркестр в мире не достигал в исполнении ничего подобного тому, что делает мангеймский. Здесь forte—гром, их crescendo—водолад. их diminuendo—замирающее в отдалении журчанье прозрачного ручья, их piano—весенний ветерок». Многие современники свидетельствовали, что знаменитые crescendo мангеймского оркестра производили на слушателей потрясающее впечатление. Значение мангеймской школы заключалось в том, что она полностью и решительно осуществила переход к новому типу классического оркестра — старый оркестровый стиль, основанный на принципе basso continue (с обязательным участием клавесина или органа), был упразднен. Разумеется, составмангеймского оркестрабыл еще весьма мал по сравнению с современными оркестрами; но четкое разделение на группы — струнную, духовую (деревянную, медную) и ударную,— при котором
роль оркестровой педали поручалась духовым инструментам вместо старого basso continuo, свидетельствует о стабилизации классической оркестровой партитуры. В состав оркестра, установленный Яном Стамицем, входили: 30 струнных, 2 флейты, 2 гобоя, 2 фагота, 2 трубы, 4 валторны, литавры. Мангеймские симфонисты впервые ввели в оркестр кларнет. Руководители мангеймской капеллы писали в большом количестве симфонии, камерные произведения, концерты, сонаты.
Уже в симфониях Я. Стамица, созданных в 40-х годах XVIII века, сформировался законченный четырехчастный симфонический цикл (сонатное allegro, медленная" часть, менуэт, быстрый
Первая часть обычно представляла собой сонатное аллегро с двумя контрастными темами; часто тема главной партии , построенная из звуков мажорного трезвучия, носила героический характер- побочная же партия воплощала лирический.
Сохранилось выражение «мангеймские манеры» (Manieren), или «мангеймские вздохи». Имелись в виду нисходящие секундовые интонации, состоящие из двух слигованных звуков, из которых второй был слабее Чаще всего эти «вздохи» встречались в медленных частях. Они придавали музыке лирический характер, способствовали ее эмоциональности.
В дальнейшем интонации «вздохов» сделались важным средством музыкальной выразительности, в частности в музыке Моцарта и романтиков.
В симфониях мангеймских мастеров еще не достигнута сила обобщенности и эмоционально-психологической выразительнести, характеризующая творчество величайших симфонистов, в них нет еще яркого индивидуального облика; зато они подготовили почву для расцвета симфонической культуры в венской классической школе, оказав влияние на творчество Гайдна и особенно Моцарта.